Jetzt neu im kino: leises drama über sexismus und aufbegehren

Das harte Leben einer marokkanischen Sängerin, Saint-Exupéry gestrandet in der Wüste und Weltkriegsbomben in Schanzenviertel. Was die Kinowoche sonst noch so in petto hat, lesen Sie hier.

Fünf Oskars, eine goldene Palme, riesiger Hype: der US-amerikanische Film „Anora“ ging durch die Decke. Er erzählt von der Härte des Lebens einer Frau, die beim Bestreiten ihre Existenz

zwischen Nachtklubs und Polestangen versucht, die Spielregeln des Patriarchats auszudribbeln. „Alle lieben Touda“ versetzt diese Prämisse nach Marokko: das Portrait einer Frau am Rande der

Gesellschaft, die in der Musik Emanzipation sucht. Sonst so? Der neue Wes-Anderson-Film erinnert mal wieder an ein perfekt symmetrisch inszeniertes Klassentreffen der Hollywood-Elite, und

Pablo Agüero lässt Saint-Exupérys kleinen Prinzen wieder aufleben. Was sich diese Woche im Kino noch zu sehen lohnt, lesen Sie hier. Empfohlener redaktioneller Inhalt An dieser Stelle finden

Sie einen von unseren Redakteuren ausgewählten, externen Inhalt, der den Artikel für Sie mit zusätzlichen Informationen anreichert. Sie können sich hier den externen Inhalt mit einem Klick

anzeigen lassen oder wieder ausblenden. Externen Inhalt anzeigen Ich bin damit einverstanden, dass mir der externe Inhalt angezeigt wird. Damit können personenbezogene Daten an

Drittplattformen übermittelt werden. Mehr Informationen dazu erhalten Sie in den Datenschutz-Einstellungen. Diese finden Sie ganz unten auf unserer Seite im Footer, sodass Sie Ihre

Einstellungen jederzeit verwalten oder widerrufen können. 1 DER PHÖNIZISCHE MEISTERSTREICH Empfohlener redaktioneller Inhalt An dieser Stelle finden Sie einen von unseren Redakteuren

ausgewählten, externen Inhalt, der den Artikel für Sie mit zusätzlichen Informationen anreichert. Sie können sich hier den externen Inhalt mit einem Klick anzeigen lassen oder wieder

ausblenden. Externen Inhalt anzeigen Ich bin damit einverstanden, dass mir der externe Inhalt angezeigt wird. Damit können personenbezogene Daten an Drittplattformen übermittelt werden. Mehr

Informationen dazu erhalten Sie in den Datenschutz-Einstellungen. Diese finden Sie ganz unten auf unserer Seite im Footer, sodass Sie Ihre Einstellungen jederzeit verwalten oder widerrufen

können. Nur wenige Filmemacher haben ihr Werk so sehr zur Marke gemacht wie Wes Anderson. Das gilt insbesondere für die Bildsprache: Die Art und Weise, wie Anderson seine hyperkünstlichen,

meist nostalgischen Wunderwelten oder Architekturkulissen ablichten lässt, ist unverwechselbar. Natürlich geht Anderson auch einer wachsenden Zahl von Menschen auf die Nerven. Sie beklagen

nicht nur die selbstreferenzielle Eitelkeit seines „L’art pour l’art“-Filmemachens, sondern auch die narrative und emotionale Ziellosigkeit seiner Filme, die sich im Laufe der Jahre

gesteigert hat. Toll anzusehen, ob bonbonbunt wie dort oder sandfarben wie im aktuellen Film, ist das immer. All das trifft auch auf Andersons neuestes Werk zu: „Der Phönizische

Meisterstreich“ ist wieder ein perfekt justiertes Schweizer Uhrwerk von Film mit einer säuberlich in Kapitel unterteilten dramaturgischen Schnitzeljagd. Im Zentrum der bisweilen sinnfrei

delirierenden Fünfziger-Jahre-Fantasie steht der milliardenschwere Tycoon Zsa-Zsa Korda (Benicio del Toro), der mit seiner Tochter und Alleinerbin Liesl (Mia Threapleton) und Haustutor Bjørn

(Michael Cera) rund um den Globus jettet, um Investoren für ein megalomanes Staudammprojekt in der Wüste heimzusuchen. Wie immer wird das mit einem immensen Staraufgebot umgesetzt: In

kleinen bis winzigen Rollen sind unter anderem Tom Hanks, Scarlett Johansson, Willem Dafoe zu bestaunen. In einem Wes-Anderson-Film mitzuspielen, mitspielen zu dürfen, scheint ein

Ritterschlag unter Stars zu sein, die normalerweise in zehnmal so teuren Filmen für ein Vielfaches an Honorar mitspielen – ähnlich wie es früher bei Woody Allen der Fall war. Genießen wir

es, solange es anhält. _(Jörg Wunder)_ Hier lesen Sie Wes Anderson im Interview. Zu einer weiteren Rezension des Films geht es hier. 2 ALLE LIEBEN TOUDA Empfohlener redaktioneller Inhalt An

dieser Stelle finden Sie einen von unseren Redakteuren ausgewählten, externen Inhalt, der den Artikel für Sie mit zusätzlichen Informationen anreichert. Sie können sich hier den externen

Inhalt mit einem Klick anzeigen lassen oder wieder ausblenden. Externen Inhalt anzeigen Ich bin damit einverstanden, dass mir der externe Inhalt angezeigt wird. Damit können personenbezogene

Daten an Drittplattformen übermittelt werden. Mehr Informationen dazu erhalten Sie in den Datenschutz-Einstellungen. Diese finden Sie ganz unten auf unserer Seite im Footer, sodass Sie Ihre

Einstellungen jederzeit verwalten oder widerrufen können. „Anora“ aus Marokko: Wir folgen einer alleinerziehenden Mutter, die auf Dorffesten als Sängerin in der Tradition der Sheikhas

auftritt. Angewiesen auf das Geld von Männern, die sie missbrauchen, träumt sie von einem Neuanfang in Casablanca. Von einer bezahlbaren Wohnung, einer Schule für ihren gehörlosen Sohn,

ihrem Durchbruch als Künstlerin und von Respekt. Dort angekommen, wird sie tatsächlich endlich gesehen – aber zu oft noch immer nicht für ihr Talent und die Gesangskunst des Aïta, sondern

für ihren Körper. Empfohlener redaktioneller Inhalt An dieser Stelle finden Sie einen von unseren Redakteuren ausgewählten, externen Inhalt, der den Artikel für Sie mit zusätzlichen

Informationen anreichert. Sie können sich hier den externen Inhalt mit einem Klick anzeigen lassen oder wieder ausblenden. Externen Inhalt anzeigen Ich bin damit einverstanden, dass mir der

externe Inhalt angezeigt wird. Damit können personenbezogene Daten an Drittplattformen übermittelt werden. Mehr Informationen dazu erhalten Sie in den Datenschutz-Einstellungen. Diese finden

Sie ganz unten auf unserer Seite im Footer, sodass Sie Ihre Einstellungen jederzeit verwalten oder widerrufen können. Trotz der lauten Lieder Toudas und der beeindruckenden

Hauptdarstellerin Nisrin Erradi ist „Alle lieben Touda“ ein leises Drama über patriarchale Strukturen, Sexismus, Aufbegehren und die Suche nach einem besseren Leben. Und damit kein fremd

wirkendes, sondern eines, das täglich auch außerhalb des arabischen Raumes passiert. Weil Frauen, vielleicht subtiler, fast überall unterdrückt werden und das „Vom Tellerwäscher

zum…“-Versprechen oft bloß eine kapitalistische Mär wider des Klassismus ist. Tipp: Nach Möglichkeit lieber im Original mit Untertiteln gucken. _(Fabian Soethof)_ 3 KARATE KID: LEGENDS

Empfohlener redaktioneller Inhalt An dieser Stelle finden Sie einen von unseren Redakteuren ausgewählten, externen Inhalt, der den Artikel für Sie mit zusätzlichen Informationen anreichert.

Sie können sich hier den externen Inhalt mit einem Klick anzeigen lassen oder wieder ausblenden. Externen Inhalt anzeigen Ich bin damit einverstanden, dass mir der externe Inhalt angezeigt

wird. Damit können personenbezogene Daten an Drittplattformen übermittelt werden. Mehr Informationen dazu erhalten Sie in den Datenschutz-Einstellungen. Diese finden Sie ganz unten auf

unserer Seite im Footer, sodass Sie Ihre Einstellungen jederzeit verwalten oder widerrufen können. Nach dem Erfolg von „Cobrai Kai“ war eine Fortsetzung der „Karate Kid“-Filme unvermeidlich.

„Karate Kid: Legends“ bringt Fans der Originalfilme, des Remakes von 2010 und der Serie zum Clash der Generationen zusammen. Weil Li Fong (Ben Wang) sich mit seinen Kung-Fu-Künsten immer

wieder Ärger einhandelt, zieht der Teenager mit seiner Mutter nach Brooklyn, wo ihn gleich der nächste Ärger erwartet. Unterstützt von seinem neuen Freund Alan (Wyatt Oleff) und Mia (Sadie

Stanley) muss er einen Straßenwettkampf gegen seinen Rivalen Connor gewinnen. Als Trainer hat er ein Allstar-Team an seiner Seite: Ralph Macchio und Jackie Chan. Originalität hat nicht

höchste Priorität, aber „Legends“ gibt der Underdog-Geschichte einen neuen Dreh._ (Andreas Busche)_ 4 DIE VORKOSTERINNEN Empfohlener redaktioneller Inhalt An dieser Stelle finden Sie einen

von unseren Redakteuren ausgewählten, externen Inhalt, der den Artikel für Sie mit zusätzlichen Informationen anreichert. Sie können sich hier den externen Inhalt mit einem Klick anzeigen

lassen oder wieder ausblenden. Externen Inhalt anzeigen Ich bin damit einverstanden, dass mir der externe Inhalt angezeigt wird. Damit können personenbezogene Daten an Drittplattformen

übermittelt werden. Mehr Informationen dazu erhalten Sie in den Datenschutz-Einstellungen. Diese finden Sie ganz unten auf unserer Seite im Footer, sodass Sie Ihre Einstellungen jederzeit

verwalten oder widerrufen können. Ostpreußen 1942: Rosa (Elisa Schlott) kommt aus Berlin in das Heimatdorf ihres Mannes Gregor, der an der Ostfront als Soldat der Wehrmacht kämpft. Dort

hilft sie ihren Schwiegereltern auf dem Hof. Die berichten ihr davon, dass in der Nähe des Dorfes das als „Wolfsschanze“ bekannte Hauptquartier von Adolf Hitler errichtet wurde. Wenige Tage

nach ihrer Ankunft wird Rosa gemeinsam mit sechs anderen Frauen von SS-Truppen abgeholt und in die Wolfsschanze gebracht. Dort sollen sie als Vorkosterinnen das Essen des Diktators auf

mögliches Gift testen. Wenn die verängstigten Frauen unter Nötigung der Wachen die Nahrung aufnehmen sollen, erinnert „Die Vorkosterinnen“ bisweilen an Pasolinis Faschismus-Kritik „Die 120

Tage von Sodom“, kann sich aber nicht zu einer ähnlich pointierten Bildsprache durchringen. Szenenbild und Handlung sind bis auf jene intensiven Szenen bloß Pastiches anderer NS-Dramen. Das

Verhältnis zwischen Rosa und dem Obersturmführer (Max Riemelt) sowie der zunächst beiläufige Umgang mit dem Holocaust ziehen die schnell auserzählte Prämisse unnötig in die Länge. _(Fabian

Kurtz)_ 5 SAINT-EXUPÉRY – DIE GESCHICHTE VOR DEM KLEINEN PRINZEN Empfohlener redaktioneller Inhalt An dieser Stelle finden Sie einen von unseren Redakteuren ausgewählten, externen Inhalt,

der den Artikel für Sie mit zusätzlichen Informationen anreichert. Sie können sich hier den externen Inhalt mit einem Klick anzeigen lassen oder wieder ausblenden. Externen Inhalt anzeigen

Ich bin damit einverstanden, dass mir der externe Inhalt angezeigt wird. Damit können personenbezogene Daten an Drittplattformen übermittelt werden. Mehr Informationen dazu erhalten Sie in

den Datenschutz-Einstellungen. Diese finden Sie ganz unten auf unserer Seite im Footer, sodass Sie Ihre Einstellungen jederzeit verwalten oder widerrufen können. Im Jahr 1930 ist Antoine de

Saint-Exupéry (Louis Garrel) Pilot der Aéropostale in Argentinien. Als sein Freund Henri Guillaumet (Vincent Cassel) über den Anden abstürzt, beschließt Saint-Ex, sich auf die Suche nach ihm

zu machen. Unterstützt wird er von Guillaumets Frau Noëlle (Diane Kruger). Eine vermeintlich aussichtslose Suche, die beide dazu zwingt, über sich selbst hinauszuwachsen, und man darf

dreimal raten, wie das am Ende ausgeht. Antoine erkennt, dass Träumereien zu seinen größten Stärken gehören: 13 Jahre nach diesem Abenteuer veröffentlicht er seinen Weltbestseller „Der

kleine Prinz“. Regisseur Pablo Agüero hat Reales mit Fiktionalem verwoben, brillante Bilder für die große Kinoleinwand, auch für Freunde von Reinhard Mey: Über den Wolken muss die Freiheit

wohl grenzenlos sein. Ein Fest des Fliegens. Es knarzt, es rumpelt und scheppert und hat was von tollkühnen Männern in ihren tollkühnen Kisten, mit antifaschistischem Einschlag am Ende. Was

trotz teils mauem Skript für den Film spricht. _(Markus Ehrenberg)_ 6 ON SWIFT HORSES Empfohlener redaktioneller Inhalt An dieser Stelle finden Sie einen von unseren Redakteuren

ausgewählten, externen Inhalt, der den Artikel für Sie mit zusätzlichen Informationen anreichert. Sie können sich hier den externen Inhalt mit einem Klick anzeigen lassen oder wieder

ausblenden. Externen Inhalt anzeigen Ich bin damit einverstanden, dass mir der externe Inhalt angezeigt wird. Damit können personenbezogene Daten an Drittplattformen übermittelt werden. Mehr

Informationen dazu erhalten Sie in den Datenschutz-Einstellungen. Diese finden Sie ganz unten auf unserer Seite im Footer, sodass Sie Ihre Einstellungen jederzeit verwalten oder widerrufen

können. Als Muriel (Daisy Edgar-Jones) das Fenster öffnet, liegt auf der Motorhaube des Wagens ein junger, schöner Mann mit nacktem Oberkörper. „Ich bin Julius“, sagt er nur. „Ich weiß“,

erwidert sie. Die Anziehungskräfte sind nicht zu übersehen. Julius (Jacob Elordi) ist der Bruder ihres Verlobten Lee (Will Poulter), gerade aus dem Koreakrieg heimgekehrt. Gemeinsam wollen

die Drei nach Kalifornien ziehen. Aber Julius versucht sein Glück als Spieler in Las Vegas und lernt dort den Mexikaner Henry (Diego Calva) lieben. Ohne Lees Wissen unterhält Muriel mit

Julius einen regen Briefwechsel, erwettet auf der Pferderennbahn ein kleines Vermögen und fühlt sich zur Nachbarin Sandra (Sasha Calle) hingezogen. Regisseur Daniel Minahan beleuchtet die

Boomer-Ära aus der Perspektive zweier Menschen, die nicht in die heterosexuellen Normen hineinpassen. Stilsicher und mit geschmeidiger Kameraarbeit fasst das Melodram die

Hochglanz-Versprechungen der 50er ins Bild, zeigt die gesellschaftliche Repression gegen Andersliebende und entfaltet eine sinnliche Melancholie von ganz eigener, cineastischer Kraft._

(Martin Schwickert)_ Eine weitere Rezension können Sie hier lesen. 7 BLINDGÄNGER Empfohlener redaktioneller Inhalt An dieser Stelle finden Sie einen von unseren Redakteuren ausgewählten,

externen Inhalt, der den Artikel für Sie mit zusätzlichen Informationen anreichert. Sie können sich hier den externen Inhalt mit einem Klick anzeigen lassen oder wieder ausblenden. Externen

Inhalt anzeigen Ich bin damit einverstanden, dass mir der externe Inhalt angezeigt wird. Damit können personenbezogene Daten an Drittplattformen übermittelt werden. Mehr Informationen dazu

erhalten Sie in den Datenschutz-Einstellungen. Diese finden Sie ganz unten auf unserer Seite im Footer, sodass Sie Ihre Einstellungen jederzeit verwalten oder widerrufen können. Im

Schanzenviertel ist eine Weltkriegsbombe entdeckt worden. Ein XXL-Krisenstab kommt zusammen, aber die entscheidenden Handgriffe können nur zwei Personen. Und als ihr Chef verschwindet, muss

eben Lane (Anne Ratte-Polle) ran. Nach und nach verschärft Regisseurin Kerstin Polte die Ausgangslage: Lane hat Panikattacken, ihre Tabletten sind alle, und dann ist ihre verwirrte Mutter

anscheinend im Sperrbezirk vergessen worden. Ach ja, Tornados rollen auch noch auf Hamburg zu. Überhaupt will der Film einfach ein bisschen viel. Die Darsteller:innen sind quasi pausenlos

auf volle Power eingestellt, die visuellen Mittel erschlagen einen. Schade eigentlich, denn die Idee, dass ein Blindgänger Menschen aus der Routine kickt und neue Allianzen schmiedet (wie

die zwischen Lanes Mutter und dem jungen syrischen Nachbarn, die sich als Kriegsüberlebende erkennen), funktioniert gut. Schön sind die Momente, wenn der Film mal kurz vergisst, wie

wahnsinnig symbolisch das mit den Altlasten in den Seelen und im Boden ist: Dann taucht das Kaninchen von Lanes Mutter im Schaufenster eines Reisebüros auf, oder ihr Chef findet sich milde

überrascht im Schwulenklub wieder. _(Antje Scherer)_ 8 FRITZ LITZMANN, MEIN VATER UND ICH Empfohlener redaktioneller Inhalt An dieser Stelle finden Sie einen von unseren Redakteuren

ausgewählten, externen Inhalt, der den Artikel für Sie mit zusätzlichen Informationen anreichert. Sie können sich hier den externen Inhalt mit einem Klick anzeigen lassen oder wieder

ausblenden. Externen Inhalt anzeigen Ich bin damit einverstanden, dass mir der externe Inhalt angezeigt wird. Damit können personenbezogene Daten an Drittplattformen übermittelt werden. Mehr

Informationen dazu erhalten Sie in den Datenschutz-Einstellungen. Diese finden Sie ganz unten auf unserer Seite im Footer, sodass Sie Ihre Einstellungen jederzeit verwalten oder widerrufen

können. „Er war schon als junger Mensch ein alter Mann“, sagt sein Kollege Jürgen Becker. „Und jetzt altert er auf das Alter zu, das er auf der Bühne darstellt.“ Forever young oder forever

old? 1987 gründete Rainer Pause das Pantheon-Theater in Bonn, das in den Folgejahren zur Kabarettistenschmiede der BRD wurde. Und mit dem Pantheon erfand er, etwa 40-jährig, auch die

Bühnenfigur Fritz Litzmann: der prototypische bundesdeutsche Spießbürger, hornbebrillt, die Haare pomadiert, stockkonservativ und grundsätzlich schon immer alt. Diese Figur war, so Helge

Schneider, Pauses zweite Identität, die er jetzt „in echt“ erreicht habe. Nahezu die gesamte Kabarettwelt kommt im Porträt von Pauses Sohn Aljoscha zu Wort, das auch die Kabarettgeschichte

der BRD und eine nicht unkomplizierte Vater-Sohn-Beziehung miterzählt. Filmisch schöpft Pause aus dem Vollen, mit eindringlichen Bildern (Robert Schramm) und dramatischer Musik (Roland Meyer

de Voltaire). Bleibt nur die Kardinalfrage: Kann ein Sohn den eigenen Vater so porträtieren, dass es auch für Nicht-Fans interessant bleibt? Schwierig, aber er kann._(Thomas Wochnik)_